Por Mónica Delgado

En el programa 9 de esta edición de Forum, se presentaron tres cortometrajes que desde sus peculiaridades, pudieron conformar un panorama actual de propuestas conceptuales, desde una diversidad de estéticas y soportes, mantienen una tradición no solo con el llamado “cine estructural”, sino que al juntarlas logran una negociación o correspondencias entre ellas. ¿Qué pueden tener en común un corto en 16 mm, en blanco y negro, que describe un procedimiento burocrático desde los cuerpos, o una obra de cine sin cámara en 70mm que solo tiene un aparente único plano de variaciones de color? ¿O con la propuesta digital barroca de Graeme Arnfield?

Esta selección hecha por el equipo de Forum Expanded, en esta edición 70° de la Berlinale, muestra un ejemplo antagónico ante la selección del programa que agrupó a trabajos latinoamericanos, al parecer, solo con un criterio territorial. Aquí, el desafío luce mayor y estimulante, sobre todo al incluir un trabajo que celebra de alguna manera la existencia de espacios como estos, como el de Margaret Honda, y que confirma la independencia de la sección pensada desde Arsenal.

En Recovery, de Kevin Jerome Everson, la cámara fija, en un plano muy cercano, casi close up, se vuelve en el único testimonio de un proceso de evaluación de algunas condiciones para aspirantes a pilotos de las fuerzas aéreas estadounidenses. Lo que el cineasta recupera no solo es el procedimiento que implica que los postulantes estén en constante movimiento circular, sino también atravesados por una tecnología del control. Indicaciones, posiciones, regulaciones para lo corporal, sí pero también el cumplimiento de una exigencia, al pie de la letra, sin chistar. Jerome Everson, como en algunos trabajos de Harun Farocki, va desmostando en esa sensación del único plano fijo, pero que desde el montaje se fragmenta, y rompe la idea de lo circular. Es así que Jerome Everson va desmantelando esta estructura, desde estos cortes que rompen y dan la percepción del loop eterno en esta evaluación.

En el conversatorio Jerome Everson indicó que Recovery pertenece a un interés en hacer películas sobre afroamericanos en el servicio militar, y en este caso la Fuerza Aérea de los Estados Unidos. Dijo que “se trata de la materialidad, ya que uso mucho 16 mm (también uso HD, pero principalmente 16), y luego, todo se trata de la cámara, los lentes, y la duración de la película misma en rollos. Y toda la idea de este evento en particular que muestro en Recovery duró la longitud de un rollo de 32 metros (o 44 pies), por lo que todo se vuelve autónomo en la infraestructura, en todo sentido. Hago películas como un pintor abstracto, donde quiero que el contenido sea autorreferencial, por lo que al momento del discurso, la duración de la película se basa en sí misma”.

En Equinox de Margaret Honda, se materializa un proceso de intervención de la cineasta y artista en el celuloide, muy imperceptible, y que como señala el título del trabajo, precisamente revela la progresión de una entrada y salida de luz. Ante todo, Equinox, parece ser la imposibilidad de la oscuridad total, al trabajar con diversas modulaciones de iluminación, de su graduación que refiere a un imaginario bucólico del amanecer o del cambio de una estación, y que remiten a acciones o recursos básicos del cine como agente de materialidad.

Equinox, concebido en 2013 como una pieza complementaria de Spectrum Reverse Spectrum, anterior trabajo de Honda, comienza desde un plano uniforme en negro que va virando ligeramente al gris, hasta llegar al blanco, como un clímax que luego inicia un retorno a la oscuridad, pero la parte final luce más clara. Este film en color, fue hecho al exponer un rollo de celuloide de 70 mm a luces de colores en una impresora de contacto.

En el conversatorio pos proyección, Margaret Honda indicó que todas sus películas están hechas pensando en la teoría básica, utilizando la teoría disponible en diferentes materiales de revelado, impresoras de contacto, y en un laboratorio. “Entonces, si me preguntan por la importancia de la estructura en términos de mi trabajo, realmente pienso en todas las personas involucradas, los temporizadores involucrados en ayudarme a ejecutar esta tarea, en las personas que están en el laboratorio, en los proyeccionistas. Es lo que yo llamo un ecosistema, que es realmente vital para el trabajo, especialmente para una película de 70 mm, y realmente para toda película analógica en la actualidad. Si falta un elemento, un equipo o, más probablemente, las personas que realmente saben lo que están haciendo, en realidad es bastante frágil en ese sentido. Lo concibo desde un sentido muy básico de cómo se hacen las películas y definitivamente funcionan en esta estructura, y realmente solo tratando de aprovechar al máximo eso, no necesariamente construyendo otra cosa, sino realmente utilizando lo que está allí”.

Mientras que en el corto de Graeme Arnfield, The Phantom Menace, parte del imaginario popular de Star Wars, para ir deconstruyendo desde una ficción de arqueología digital, todo un lenguaje creado por los artefactos de NASA sobre la penetración de rayos cósmicos intergalácticos que penetraron nuestra atmósfera y afectaron cuerpos. A partir del efecto estroboscópico,  el film utiliza visualizaciones científicas de baja resolución “para especular sobre el papel de la mano de obra en un futuro postapocalíptico. Los aviones se estrellan, las computadoras no funcionan bien y las elecciones se vuelven locas: la precuela del futuro”, como indica la sumilla del film.

El artista inglés Graeme Arnfield dijo que hizo este film como parte de un proceso de investigación sobre la radiación cósmica, con el fin de ver hasta dónde se podría llegar con este tipo de tentáculos y de todas las formas en que influye e influirá la tecnología en los cuerpos y las redes sociales. “Una cosa particular que me interesaba en ese momento era la forma en que solo se puede notar este tipo de impacto de la radiación, en este tipo de salida, ya que solo se puede notar cuando el daño ya está hecho, o cuando algo se estrelló, en esta fuerza invisible altamente cargada. Por lo tanto, se trata de la forma en que la estructura se puede manejar y producir en la película. Uno de esos puntos de partida iniciales fue una entrevista que tuve con un técnico en un súper laboratorio de computadoras, quien dijo que no era un trabajo evitar que la radiación cósmica bloqueara estas computadoras, sino gestionar y producir nuevos bloqueos ellos mismos. Y, luego quise explorar sobre esta idea de trabajo masivo, cuya labor es investigar estos datos, tratando de ver si el sistema ha sido afectado por este tipo de física e ideas posibles”.