CROSSROADS 2022. PROGRAMA ONLINE ECHO 2

CROSSROADS 2022. PROGRAMA ONLINE ECHO 2

First Hypnotic Suggestion (2020)

Por Mónica Delgado

Hasta el 16 de octubre está online una versión gratuita de la edición 2022 del CROSSROADS, festival anual de cine organizado por la Cinemateca de San Francisco, y que contiene programas curados por el cineasta Steve Polta. En la edición presencial realizada en agosto se visionaron 67 obras de cine, video y performance de 71 artistas de 18 países y territorios, y esta edición virtual se presentan dos programas que plantean discusiones o correspondencias sobre los contrastes entre la experiencia sensible individual y el surgimiento de un estado mediático corporativo, las colisiones y mezclas entre medios analógicos y digitales, el papel que juega la intimidad en los espacios de comunicación pública, entre otros. En este texto, comentaremos algunos cortos del programa ‘Echo 2: space to stretch my longing’ (Espacio para estirar mi anhelo), y que reúne obras de EE.UU. y Canadá.

En Time Crystals (2021), el artista y cineasta nacido en Texas, Abinadi Meza propone una lectura sobre la constitución del tiempo cinematográfico a partir de algunas frases, que se repiten, producidas por una voz femenina computarizada. Este ‘chatbot’ va produciendo un acompañamiento que difiere de la materialidad analógica del celuloide. Por un lado, imágenes en 16mm que registran algunos hechos de tinte naturalista, de campos, ríos y bosques, y también imágenes a modo de contraparte de incendios forestales o de volcanes y lava, y por otro, la voz que va tejiendo reflexiones asincopadas sobre el origen de algunos elementos de la naturaleza, donde el componente error es inevitable. Y también hay una reflexión en torno a la naturaleza misma de estas imágenes que contiene algo más allá de su simple representación, como cuando se alude a que los cuerpos son diferentes en función de aquello espacios, entes, imaginarios donde son insertados. Para, Meza, el tiempo de los cristales es la posibilidad de lo voluble, cambiante, lo fluido.

Mientras que The Day Lives Briefly Unscented (2021), el cineasta Brandon Wilson propone una montaje de atracciones, a partir de una serie de correspondencias, analogías o distancias, entre dos elementos de la naturaleza o de la producción humana. Fuego y madera, hongos y cascadas, roca y remolinos, velas y ventanas, objetos y hechos que se van hilvanando para producir nuevos sentidos, a partir de la rememoración. El corto abre con una dedicatoria a la abuela del cineasta. Y con ello, el título (El día vive brevemente sin esencia) se va convirtiendo en un ordenador de las reminiscencias, y añadiendo una posibilidad del proceso de recuperación de las memorias familiares, donde el aspecto fenomenológico en torno al pasado, como ejercicio de memoria, se vuelve puramente visual (no necesariamente una experiencia sensible). Intención similar por establecer estas analogías aparece en Dans les cieux et sur la terre (2022) de Erin Weisgerber, artista y cineasta del colectivo canadiense Double Negative, donde a partir de técnicas de yuxtaposición y montaje desde el negativo, va creando nuevas dimensiones espaciales y de las transformaciones drásticas que ejerce el paso del tiempo. La cineasta compone imaginarios de tiempos sobreimpresos, a modo de capas, que van provocando ideas en torno al reverso de la naturaleza y las cosas, como búsqueda para encontrar las auras o vibraciones de aquello que se percibe en la realidad. Y en ese sentido, este corto de Weisgerber es una propuesta de lectura de lo real, del papel del observador y su subjetividad. Como indica la sinopsis, se trata de un cortometraje filmado durante siete años en un vecindario de Montreal, y que ha captado a lo largo del tiempo, la transformación de los lugares y la resistencia de lo natural, en todas sus formas.

 

The Day Lives Briefly Unscented (2001)

Lácrimas (2021) de Jeremy Moss es una recomposición de algunos componentes sonoros que sostienen las intenciones y sensaciones del melodrama, uno de los géneros más físicos del cine industrial, junto al terror. Moss plantea un montaje sonoro de algunos diálogos o monólogos de películas dramáticas, y algunas emblemáticas del género melodrama en Hollywood. Conjuga las voces de La fuente de la doncella (The Virgin Spring, 1960) de Ingmar Bergman, de Possessed (1947), de Curtis Bernhardt, De amor también se muere (Humoresque, 1946) de Jean Negulesco, De aquí a la eternidad (From Here to Eternity, 1953) de Fred Zinnemann, o de Escrito sobre el viento (Written on the Wind, 1956) de Douglas Sirk, entre otros films clásicos, con el fin de producir un apartado sentimental y emotivo desde lo que se suele plantear en este tipo de obras sobre pasiones, prejuicios y desencantos. Este aspecto sonoro va adquiriendo una dimensión abstracta, o un fuera de campo relacionado con lo que revelan estas películas, al ser articuladas con un montaje visual de tintes naturalistas, como explorando las dimensiones afectivas de estas obras melodramáticas con el plano de una naturaleza en efervescencia. Mientras oíamos voces como la de Joan Crawford, aparecen imágenes de bosques, flores, cielos. La música de Johannes Brahms también va contribuyendo a forjar un nuevo constructo de lo sensible, desde esta materia del drama y el amor ahora extrapolado como posibilidad de pasiones exacerbadas desde la observación y auscultación del mundo de lo natural.

Por otro lado, First Hypnotic Suggestion (2020) de Brittany Gravely y Ken Linehan también es una obra de remontaje y apropiación. Aquí los cineastas extraen momentos de diversas películas de serie B de terror o thrillers de los años setenta y ochenta, con el fin de generar una cadencia ficcional sobre las posibilidades y consecuencias telepáticas. Esta primera sugestión hipnótica a la que alude el título se traduce en un proceso de reconfiguración con ecos sci-fi sobre esta interioridad que aflora en un trance. Planteada como doble proyección, la intención de la pantalla bipartita permite enfatizar esta fractura emocional o estrategia de navegación dentro de la psique producto de técnicas hipnotistas. Esta imposibilidad de lograr un proceso unidimensional y agregarle capas de sentido es lo que intentan estos artistas en esta nueva configuración de los procesos de regresión de la mente, amorfos e indescriptibles. 

El programa también incluye el cortometraje Up Close (2021) de la artista Sam Gurry, quien a partir de la narración dramatizada del artiste y performer Lydon Frank Lettuce, de Pennsylvania, va organizando un montaje rítmico a partir de primerísimos planos de textura diversas y desde el stop motion, generando un campo explorado muy cercano y reflexivo sobre la soledad y el deseo. La frase “necesito espacio para estirar mi anhelo” que da nombre a este programa es extraído de este corto, donde la narradora, a través de una voz que seduce, va contando algunas experiencias sobre un recuerdo de tipo amoroso. La texturas líquidas, acuosas, pastosas sobre telas o yutes, permiten generar la materialización de ese deseo informe, lúdico y pleno de color.

Puede acceder a este programa online en este link.

Uo Close (2021)

Programa Echo 2: space to stretch my longing
Time Crystals (2021) de Abinadi Meza (Wixárika, México); digital video, color, sound, 6 minutes.
The Day Lives Briefly Unscented (2021) de Brandon Wilson (EE.UU); digital video, color, sound, 4 minutes.
Lácrimas (2021) de Jeremy Moss (EE.UU.); digital video, color, sound, 14 minutes.
First Hypnotic Suggestion (2020) de Brittany Gravely (EE.UU) & Ken Linehan (EE.UU); 16mm double projection, color, sound, 10 minutes.
Up Close (2021) de Sam Gurry (EE.UU); digital video, color, sound, 3 minutes.
Dans les cieux et sur la terre (2022) de Erin Weisgerber (Canadá); 16mm screened as digital video, color, sound, 12 minutes.